Clase digital 2. Corrientes cinematográficas

Corrientes cinematográficas

Introducción

¡Hola! 

Es un gusto saludarte en esta segunda sesión de la UDA De los orígenes del cine a su exhibición, conceptos básicos, espero que estés teniendo un excelente día y que te encuentres con mucho ánimo para aprender nueva terminología propia del área.

Más de cien años después del descubrimiento de los hermanos Lumiére ya no se discute que el cine es un arte. Lo es, hay películas tan valiosas que su pérdida o destrucción empobrecería el patrimonio artístico y cultural de la humanidad. Sin embargo, la cinematografía es la más joven de todas las artes y muchas veces es menospreciada, tal vez porque nació de una técnica de reproducción mecánica de la realidad o porque la inmensa mayoría del público la considera un simple y llano entretenimiento. No obstante, el cine es a la vez, una industria y un arte. Desde sus orígenes lo fue, lo cual resulta evidente en la obra de prodigios como George Méliès.

A decir verdad, el cine fue un arte desde sus orígenes, lo cual resulta evidente en la obra de Méliès, para quien el cine fue el medio de proseguir sus experiencias de ilusionismo pero también de invención de nuevos modos de disfrutar del espectáculo el cinematográfico, por lo que para muchos ostenta el derecho al título de creador del séptimo arte.

En esta clase, abordaremos las aportaciones de Méliès y revisaremos algunos movimientos y corrientes cinematográficas que han enriquecido la historia del cine con sus innovadoras posturas estéticas.

Te invito con mucho ánimo a descubrirlas.

Desarrollo del tema

2. Corrientes cinematográficas

2.1 La magia de George Méliès

El primer personaje al que debemos tomar en cuenta al abordar la gramática del cine es a George Méliès, francés que empieza su carrera en el Teatro Robert Houdin. Fue dibujante, pintor, caricaturista, ilusionista, director de teatro, escenógrafo, humorista, escritor, actor y técnico. Está considerado como un mago que convirtió el cine en arte, fantasía y espectáculo. 

Una anécdota dice que se encontraba filmando en las calles y al tomar la Ópera de París su cámara se trabó mientras pasaba un autobús; Méliés destrabó la cámara y continuó filmando a una carroza fúnebre que ahora transitaba. Al llegar al laboratorio y revelar la película se dio cuenta de que en la película el autobús se convertía en la carroza fúnebre, justo aquella que estaba pasando al volver al filmar. Con esto, supo que el cinematógrafo le brindaría la posibilidad de manipular la realidad.

Este hombre, lleno de recursos para poner en escena historias creativas, empieza por el camino de la fantasía y la inventiva, logrando una película en la que utilizando la múltiple exposición convertía a un actor en muchos actores: El hombre Orquesta (1900).

En el siguiente video podrás apreciar la película El hombre orquesta, realizada por George Méliès en 1900 y que constituye un ejemplo temprano de la capacidad de los efectos visuales en el cine.

Méliès plasmó su genialidad en más de 500 películas, entre las que destaca El viaje a la luna, considerada la primera película de ciencia ficción y realizada en 1902, que consistía en seguir los pasos de Julio Verne, de plantear que el mundo tal y como existe puede ser concebido de otra manera.  

2.2 Escuela de Brighton

Con esta denominación se conoce a un grupo de cineastas y fotógrafos ingleses que sentaron las bases para el lenguaje cinematográfico en la ciudad de Brighton, cuyo aporte más importante es que sus producciones constituyen verdaderos relatos. 

En la Escuela de Brighton empiezan a plantearse cómo llevar el lenguaje a un estadio superior y descubren que es precisa la movilidad, el corte, el paso del tiempo, la acción paralela, el acercamiento, es decir, elementos fundamentales de la narrativa. Un ejemplo es Rescatado por Rover de 1905, película de Cecil Milton. En ésta, Rover es un perro fiel que ve como la niña de su casa es secuestrada por una gitana, por lo que sigue su pista y avisa al padre para encontrar a la pequeña.  

Da clic para disfrutar de la película Rescued by Rover (1905), en la que se emplearon actores profesionales y se considera muy avanzada para su época en cuanto a estructura y continuidad.

2.3 Divas italianas

Italia es capturada por el cinematógrafo y para 1910 ha puesto en escena una industria. Su primera aportación es el Star System, que casi simultáneamente es aplicado también por Estados Unidos. El cine italiano fue conocido internacionalmente desde los primeros años de la cinematografía. Fundamentalmente, por primera vez desde sus inicios, el personaje, en este caso el femenino adquiere una importancia capital, más aún que la narración. Así, Italia inventa la figura de la diva, de la diosa, donde la imagen de la mujer en el cine es llevada a un extremo de adoración. 

En Cabiria(Pastrone, 1914), se introduce la segunda aportación de Italia al cine: la epopeya, es decir, una superproducción épica, llena de grandilocuencia y de momentos heroicos. Finalmente, los italianos también aportarían el Dolly.

El siguiente video es una escena de la película Cabiria (1914), dirigida por Giovanni Pastrone, en ella podrás apreciar una puesta en escena espectacular, característica del cine italiano de esa época.

2.4. Del otro lado del Atlántico

Estados Unidos es un país receptáculo de grandes cantidades de inmigrantes y las ciudades están repletas de personas que buscan entretenimiento, generando los Nickelodeon, lugares donde podías pasar la tarde un domingo sin importar las barreras de lenguaje ya que el cine era mudo.

Pronto surgen cineastas que quieren aprovechar las posibilidades económicas que da el cine. El primero que debe mencionarse es Edwind S. Porter, quien inventa una forma popular llamada Western. Su primera película es El gran asalto al tren (1903), donde realiza una tremenda aportación al cine dividiendo por primera vez en la historia la narrativa en escenas y secuencias.

Mira la película Asalto y robo de un tren (1903), la cual contiene ciertos elementos que la sitúan entre las pioneras en la utilización de recursos que con posterioridad caracterizan al lenguaje cinematográfico. Por ejemplo, encontramos ya sutiles movimientos de cámara para acompañar la trama y una búsqueda de unidad narrativa, con el objetivo de crear tensión y realismo. 

Asimismo, destaca en Estados Unidos un trabajador de las empresas de Edison: David Wark Griffith, quien crece con el sentimiento de inferioridad que afectó a muchos sureños después de la guerra de secesión. 

Griffith comienza como actor pero pronto asciende en la compañía, y en 1915 realiza »El nacimiento de una nación», basada en novelas muy populares en el sur del Reverendo Dickson. La novela y la película hablan de una familia del norte y de una del sur, por lo que la guerra está planteada desde el punto de vista familiar. 

Aunque sus logros en narrativa y estilo son loables, esta reconstrucción es vista desde un punto de vista de tremendo racismo, al mostrar de forma grotesca a los afroamericanos.  

Griffith es considerado el padre del lenguaje cinematográfico por sus aportaciones en planos e historia paralela. La película fue un éxito de taquilla y el propio presidente Wilson apoyó la película de manera pública. Entonces, aunque desde el punto de vista ideológico es condenable, desde el punto de vista de aportación técnica es irrefutable. Griffith terminó sus días en el olvido luego de ser uno de los creadores del cine norteamericano.

A continuación encontrarás la película The Birth of a Nation, realizada en 1915. Su visualización completa no es obligatoria, pero puedes dar un vistazo rápido a sus poco más de 3 horas de duración para disfrutar de los aportes de Griffith, a quien se le considera el padre del lenguaje cinematográfico por su entendimiento y dominio de la naturaleza y de las inmensas posibilidades del cine. Observa su sentido del movimiento, su potencia lírica, el uso de la profundidad de campo, de la iluminación, su capacidad para prolongar el espacio fílmico mediante el fuera de campo, así como su uso de la sinécdoque para resaltar lo esencial.

2.5 La comedia cinematográfica

Sus inicios pueden distinguirse desde las producciones de los hermanos Lumière, pero implosiona posteriormente en la época de oro de la comedia norteamericana con Mack Sennet, quien sentó las bases de este movimiento. Sennett también inició su carrera en las empresas de Edison y determinó que los personajes debían comportarse de forma irreverente en el cine. 

Sennett hizo producciones muy exitosas y abrió la puerta a actores y actrices muy importantes, tanto a las bellas del Star System como a los cómicos. Uno de ellos era Charles Chaplin quien aportó una comedia desenfadada.

Charles Chaplin nació en Londres en uno de los barrios más humildes y sus padres se ganaban la vida en el teatro de variedades. Charles recorría los condados británicos dando funciones cuyo estilo remite a la comedia italiana y llegó con su grupo a Estados Unidos, donde comenzó a popularizar el slap (recibir golpes, perseguir a una chica).  

Junto con Chaplin surgieron actores conocidos por representar un personaje. Destaca entre ellos Harold Lloyd con sus antiparras, espigado, alto, desgarbado, quien brindó una interpretación magistral en El hombre mosca de 1923. 

Por su parte, surgió en escena Buster Keaton, cuyo aporte a la industria cinematográfica es plantear una comicidad mucho más reflexiva, única en la comedia americana. Keaton sería el Pierrot de la comedia del arte, encontrándose siempre en un mundo de ensoñación, desatento de las cosas del mundo.

Buster Keaton se inmortalizó en La generala de 1926. Le llamaban “El cara de palo”, pues su personaje parecía nunca inmutarse. El personaje de Keaton fue menos exitoso que Chaplin y no pasó la barrera del cine mudo a sonoro.

2.6 Expresionismo alemán

El expresionismo se originó a principios del siglo XX en Alemania. Es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

El expresionismo nace debido a la necesidad de los artistas de expresar su disconformidad con la situación existente en su país y a pesar de su corta duración 1920-1925 ejerció una notable influencia en el arte mundial.

Se denominaba expresionistas a un grupo de directores que encuentran soluciones plásticas revolucionarias para expresar temas de tendencia fantástica demoníaca muy arraigadas en la cultura germánica. Un tema de interés muy claro para los cineastas del expresionismo alemán era la doble personalidad.

Pronto el cine encuentra su inspiración de este movimiento pictórico y en él se plantea la necesidad de crear un cine distinto.  
El estudiante de Praga de Wegener y Stellan Rye es una película de 1913 donde vemos uno de los temas de mayor interés: el doble, la otra personalidad, de su desdoblamiento.  Lo oscuro, los relatos macabros, las viejas leyendas medievales se verán muy reflejadas en esta época. En 1915 llega El Golem de Wegener y Galeen, que habla de la vieja leyenda judía en la que si el gueto es atacado entonces el rabino mayor de ese lugar puede usar la cábala y llamar a una figura gigante hecha de arcilla, llamada el Golem, el vacío, lo que no tiene nada adentro, quien será el defensor del gueto.

El gabinete del Dr. Caligari ideada por dos guionistas por Carl Mayer y Hans Janowitz, vio luz de la mano  de Robert Wiene en 1919, donde a través de los decorados el maquillaje y la iluminación se exponen simbólicamente la mentalidad y el estado anímico de los personajes para contar una terrorífica historia que identifica la autoridad con la demencia y la criminalidad.

A mediados de la década de los veinte la capacidad técnica del cine alemán sobrepasaba la de cualquier otra en el mundo. Los estudios introspectivos expresionistas de la vida de las clases populares se caracterizaban por su dignidad, belleza y duración, además de introducir grandes avances en el uso efectivo de la luz, los decorados y la fotografía.

Debido a la emigración de los mejores talentos alemanes austriacos y en general centroeuropeos la producción fílmica decayó rápidamente tras 1925, convirtiéndose en una industria más que intentaba imitar el cine que se hacía en Hollywood

Un director que tiene una carrera realmente brillante y aporta tanto en el cine alemán como en el americano es Fritz Lang, cuya extraordinaria aportación es la película Metropolis (1926) que entra al reino de la ciencia ficción pero con un gran fondo de carácter social.  La película narra lo que sucedería en una metrópolis ideal, hipotética, como telón para la confrontación entre los obreros y los patrones.

A continuación da clic al video para disfrutar de una secuencia de Metrópolis, película que marcó un hito para el cine moderno y el arte en general, y que impactó profundamente en las conciencias de muchos espectadores.

2.7 Vanguardias

Vanguardias rusas

Con la llegada del siglo XX, se dan muchos acontecimientos de carácter político que conmovieron al mundo; el más relevante es la Primera Guerra Mundial, pero también la Revolución Mexicana y la Soviética. Estas convulsiones de carácter político e ideológico van a producir un efecto en el cine.

Dziga Vértov, director de cine vanguardista soviético y autor de obras experimentales, buscó darle al cine la capacidad de ver la realidad sin tener que depender de un guion, del estudio o de los actores. Para él, los protagonistas debían ser el pueblo y la realidad había de capturarse de improviso. En este tenor crea en 1920 el Cine-Ojo (Kino Glaz), una teoría en la cual será el ojo del realizador el que determine a través de la edición qué se va a mostrar. Vértov es muy conocido por El hombre de la cámara (1929) en la que vemos desde el amanecer hasta el anochecer el transcurrir de una ciudad, mostrando ya una intención de yuxtaponer los distintos elementos que la cámara había captado.

En este ambiente de ingenio, va a surgir un hombre extraordinario, uno de los maestros del cine: Serguéi Mijáilovich Eizenshtéin quien desde muy joven se interesa por el fenómeno cinematográfico y empieza su carrera con la película La huelga donde ya vemos su Teoría de las atracciones, la llave para conseguir un dominio estético e ideológico total y así establecer la ansiada conciencia social.

Las autoridades ven que es un cineasta de mucho mérito y le dan una tarea: hacer una película que recuerde el levantamiento de 1905 antes del estallido de la Revolución Soviética: El acorazado Potemkin (1925). En ella el director divide la historia en 5 partes, relatando de manera extraordinaria cómo los marineros viven bajo cubierta y empiezan a determinar que sus condiciones de vida son inhumanas. La escena más conocida de la película es Las escaleras de Odesa, donde el director echa mano de sus habilidades en la edición.

La metáfora de la ciudad portuaria de Odessa como huérfana desvalida que verás en la secuencia de las escaleras constituye una de las más relevantes de la historia del cine por su enorme fuerza visual: una madre muere, nadie ayuda a su bebé en el carrito, y éste va traqueteando por las gradas repletas de muertos hasta su trágico e inevitable final.

Vanguardias francesas: impresionismo

El cine impresionista francés abre paso a una estética enfocada en la expresión de los sentimientos, las emociones y las realidades psicológicas, desplazando a un segundo plano las acciones de los personajes.

A inicios del siglo XX, la industria de cine francés importaba en su mayoría productos estadounidenses, hasta que un grupo de artistas e intelectuales crearon la primera vanguardia o el cine impresionista francés desarrollado entre 1918 y 1929 durante la época del cine mudo. Ésta, surgió como respuesta ante la hegemonía hollywoodense y con base en el impresionismo pictórico y su estética.

Entre sus principales características encontramos las deformaciones ópticas para transmitir el estado subjetivo de los personajes, una amplia expresión de los sentimientos, contemplación e interpretación de la naturaleza, manipulación de la imagen y un montaje rítmico, acorde con cómo el personaje percibe la realidad.

Su representante principal es el crítico y teórico Louis Delluc, encargado de crear películas impresionistas que trascendieron y quedaron como referencia para la historia del cine. Además se debe considerar a Marcel L’Herbier (1888-1979), Abel Gance (1889-1981), Jean Epstein (1897-1953), Germaine Dulac (1882-1942).

Vanguardias francesas: Surrealismo

Es una representación de revolución que ataca el orden lógico. Trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. El surrealismo nace en Francia alrededor de los años 20. Su principal representante es André Breton, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento artístico quien consideraba el cine como un modo de liberar el inconsciente.

En 1928 aparece la primera película con cierto contenido surrealista La concha y el reverendo. Al año siguiente, en 1929, se estrena el exponente más representativo del surrealismo: Un perro andaluz de Luis Buñuel, en la que colaboró el pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español Salvador Dalí.

Disfruta ahora del cortometraje de Luis Buñuel, Un perro andaluz, obra surrealista realizada en donde las imágenes van surgiendo una tras otra sin tener en cuenta la coherencia o el sentido, permitiendo que las ideas fluyan libremente.

El surrealismo igual que el dadaísmo intentó realizar una ruptura cultural con una serie de obras así como mostrar su profundo desprecio hacia la sociedad y la cultura burguesa.

2.8 Realismo poético francés

Este movimiento sirvió de antecedente a muchas corrientes que se desarrollaron posteriormente. Algunos consideran que no es una corriente sino una tendencia porque no tuvo los fundamentos teóricos que otras corrientes, pero es de muy poca importancia. Lo relevante es que las películas son de una belleza extraordinaria.

Los cineastas plantean la realidad con una extraordinaria delicadeza y con gran poesía. Sobresalen dos: Jean Renoir (1894-1979) y Jean Vigo (1905-1934). Jean Renoir, hijo del pintor expresionista Auguste Renoir, rindió tributo a su padre en la película Una salida al campo.

A continuación visualiza algunas escenas de Une partie de campagne, para muchos, la mejor obra de Jean Renoir. La película sufrió un difícil proceso de montaje provocado por la ocupación nazi en París, que significó la perdida de la primera copia de 45 minutos montada por Marguerite Renoir.

La corriente ve la realidad desde un punto de vista pesimista, pues Europa había vivido la Primera Guerra Mundial, y luego la Posguerra estuvo llena de apuros económicos y cambios de gobierno en Francia y había un sentimiento de desánimo, de engaño, de escepticismo, y esta atmósfera permea las películas, con una visión nostálgica pero también, con aspiración a mejores tiempos. En La gran ilusión, joya del realismo poético francés, Renoir retrata de manera dramática la ilusión del pueblo francés por el fin de la guerra.

La Nouvelle Vague

La Nouvelle Vague o Nueva ola es el más emblemático e influyente de los estilos de los años sesenta. Surgió entre grupos de jóvenes cineastas principalmente de Francia y de otros países como Reino Unido, Polonia, Brasil y Alemania. En Francia este movimiento tuvo mayor importancia y supuso una aportación muy decisiva para el cine francés. Se propuso renovar, incluso regenerar, cinematografías consideradas en declive.

Siendo difícil ubicarla como escuela, algo que tienen en común los filmes de la nueva ola es el acercamiento personal e informal de sus directores a los asuntos que trataron; con una cámara siempre en movimiento y muy a menudo “sostenida a mano”, como seña particular. Además, se nota en ellos una preferencia por filmar en las calles, especialmente a través de ventanas de autos, así como en casas reales.

La gran sensación llegó con el éxito de Los 400 golpes en el Festival de Cannes de 1959, donde François Truffaut obtuvo el premio al mejor director e Hiroshima mi amor de Alain Resnais obtuvo el premio internacional de la crítica, situación que animó suficiente a los productores para apoyar económicamente a los jóvenes cineastas que recién llegaban.

Prueba de ello es que en 1959 veinticuatro directores hicieron su primer largometraje y en 1960 el número se elevó a cuarenta y tres.

2.10 Neorrealismo italiano

Es una de las corrientes más importantes en la historia del cine mundial. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas. Surgió en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la posguerra.

Su sinceridad expresiva busca más la historia colectiva que la individual, mostrando de forma comprometida los sufrimientos y plagas que aquejaban sobre todo a las comunidades, sugiriendo, si se puede, soluciones. Sus características principales fueron el rechazo a actores profesionales, filmación en exteriores, filmes antiautoritarios y de denuncia, que plantean de manera descarnada las condiciones de vida que imperaban en el momento.

El filme que inauguró esta corriente fue Obsesión en 1942 de Luchino Visconti, sin embargo, la película que con su autenticidad, modernismo y actualidad impuso internacionalmente al neorrealismo italiano fue Roma, Ciudad Abierta dirigida en 1945 por Roberto Rossellini. Realizada sin autorización ni capital, su guión le fue casi literalmente dictado a Rossellini por un jefe de la resistencia.

Ladrones de bicicletas fue dirigida por Vittorio de Sica, actor de teatro, con inquietud de realizar películas con tesis de denuncia social y de vincularse a los eventos tristes y trágicos del pueblo italiano. La película se filma en las calles, sigue los presupuestos del neorrealismo, y con una extraordinaria fotografía nos va mostrando el terrible estado en que se encontraba Roma.

Conclusión

En conclusión, la gramática del cine que conocemos hoy es resultado de personajes y movimientos que han aportado elementos técnicos y artísticos para el nutrimento de la cinematografía. El francés George Méliès, plasmó su genialidad en más de 500 películas y realizó historias creativas, entre las que destaca “El viaje a la luna”, considerada la primera película de ciencia ficción.

Otro aporte importante, vino de parte de los cineastas y fotógrafos de la Escuela de Brighton, quienes buscaron integrar elementos fundamentales a la narrativa. En Italia, casi a la par de Estados Unidos, se genera el Star System, inventan la figura de la diva y aportan la utilización del Dolly.

En Estados Unidos, Edwind S. Porter inventa el género cinematográfico denominado Western y divide la narrativa por primera vez en escenas y secuencias, como puede verse en la película Asalto y robo de un tren. Asimismo, destaca David W. Griffith, considerado el padre del lenguaje cinematográfico por sus aportaciones (artísticas no ideológicas) en la película “Nacimiento de una nación”.

Sennet, Chaplin, Keaton y Lloyd, sorprenden con la comedia americana previa al cine sonoro, determinando la entrada al cine del personaje irreverente, desenfadado y desgarbado, inmerso en un mundo de ensoñación.

En Alemania, el cine encuentra su inspiración en el movimiento pictórico expresionista y en él se plantea la necesidad de introducir nuevos temas como el doble, la otra personalidad, lo oscuro, los relatos macabros y las viejas leyendas medievales. El gabinete del Dr. Caligari de Robert Wiene presenta en 1919 decorados, maquillajes e iluminación nunca vista, que exponen simbólicamente la mentalidad y el estado anímico de los personajes.

En Rusia, Dziga Vértov, buscó darle al cine la capacidad de ver la realidad sin tener que depender de un guion, del estudio o de los actores.  En este tenor crea en 1920 el Cine-Ojo (Kino Glaz. En este ambiente surge también Sergei Eisenstein, uno de los maestros del cine, quien realiza grandes aportes estéticos e ideológicos apoyado por un conocimiento revolucionario de la edición.

A inicios del siglo XX, la industria del cine francés importaba en su mayoría productos estadounidenses, hasta que un grupo de artistas e intelectuales crearon la primera vanguardia o el cine impresionista francés, que buscaba transmitir el estado subjetivo de los personajes. Surgió también el surrealismo de la mano de André Bretón, que exploraba ya el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes.  

Como antecedente de muchas otras corrientes llega el Realismo poético francés, de una belleza extraordinaria, donde los cineastas plantean la realidad con una extraordinaria delicadeza y con gran poesía. 

La Nouvelle Vague es el más emblemático e influyente de los estilos de los años sesenta. Se propuso renovar, incluso regenerar, cinematografías consideradas en declive. Los filmes de la nueva ola buscaban un acercamiento personal e informal de sus directores a los asuntos que trataban y su éxito en festivales generó un importante apoyo que se vio reflejado en el crecimiento anual de las producciones.

Finalmente revisamos una de las corrientes más importantes en la historia del cine mundial, el neorrealismo italiano, que buscaba mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, mostrando de forma comprometida los sufrimientos y plagas que azotaban sobre todo a las comunidades, sugiriendo, si se puede, soluciones.

Has terminado la segunda clase. ¡Continúa esforzándote vas muy bien! Para continuar con el tema siguiente del curso, primero debes realizar la actividad correspondiente y mandarla como se te pide. Te espero con mucho gusto en tu tercera clase.

Fuentes de información

• Lectura 1. Jean Renoir, André Bazin – https://drive.google.com/drive/folders/1P_rHaz6Ozb2NuXU4fCbWYV0XVK1jO_Ui?usp=sharing.
• Lectura 2. La expansión internacional del estilo (1918-1928): las comedias de Hollywood, Mark Cousins – https://drive.google.com/drive/folders/1P_rHaz6Ozb2NuXU4fCbWYV0XVK1jO_Ui?usp=sharing
• Lectura 3. Expresionismo alemán, Roman Gubern https://drive.google.com/drive/folders/1P_rHaz6Ozb2NuXU4fCbWYV0XVK1jO_Ui?usp=sharing
• Ladrones de bicicletas – https://www.youtube.com/watch?v=6GqiTgJOAek